Arte

Jun

2015

MULAFEST 2015. Festival de Tendencias y Cultura Urbana de Madrid

Durante los días 25 al 28 de junio se celebra la cuarta edición del MULAFEST, el Festival de Tendencias y Cultura Urbana. Organizado por la Comunidad MULA e IFEMA en el Recinto Ferial de Madrid, este año acogerá, entre muchas otras actividades relacionadas con la cultura urbana como el tatuaje, el motor, el arte underground, la música, el breakdance, el skate, Street Food…, a las mejores galerías de Arte Urbano.

MULACity Getafe, en lo que fue la mayor acción de arte urbano nunca realizada antes en España con artistas como Ricardo Cavolo, Uriginal o BoaMistura supuso el anticipo de lo que comienza en apenas unos días. MULAFEST 2015 reunirá por primera vez a las galerías de arte urbano Swinton&Grant, Espositivo, Gunter Gallery, Slowtrack, Combustión Espontánea y los espacios de creación, Espacio Oculto y El Keller, en una gran instalación conjunta donde mostrarán la obra reciente de varios artistas como E1000, BoaMistura, Sabek, Iván Solves y DosJotas. El trabajo de éstos espacios es sin duda de gran importancia no sólo de la cultura alternativa, sino de una manera diferente de ver la realidad artística y creativa del mercado del arte.

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Contará también con las fotografías de Juanma JMSE, especializado en cultura urbana y con un futuro prometedor, ha retratado durante los meses de abril y mayo a diferentes artistas urbanos en las intervenciones de MULAcity en Getafe.

Después de un año de trabajo iniciado durante la edición anterior en un taller impartido por Ricardo Cavolo, se podrá ver también un impresionante mural de 26 metros inspirado en el mundo outsider que reivindica la colectividad en el proceso creativo, y que fue realizado por más de cien personas.

En definitiva, MULAFEST es la guinda del pastel de un trabajo realizado por parte de la Comunidad MULA durante todo el año y que cristaliza durante cuatro días en los que se podrá ver, a parte del mural de Ricardo Cavolo y las fotografías de Juanma JMSE, una exposición de Instalaciones de Arte y Reciclado.

Otras cosas sucederán durante el festival; como las batallas de graffiti. También con motivo de la exposición ‘Zurbarán: una nueva mirada’ que organiza el museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, el propio Ricardo Cavolo y el joven ilustrador Simmon Said realizarán una reinterpretación de la obra ‘Santa Casilda’ (1630-1635).

En la edición del año pasado, MULAFEST reunió a 30.000 personas. Un claro ejemplo de que la cultura urbana tiene un gran empuje dentro de la sociedad y que aglutina conceptos tan interesantes como la ecología por medio del reciclaje, la cooperación por medio de la colectividad, la creatividad sin límites o la libertad de expresión.

Enlaces:

www.mulafest.com

www.mulared.org

www.idarterecicla.com

Información:

MULAFEST 2015
FECHA: 25, 26, 27 y 28 de junio. De 12:00 pm a 6:00 am.
LUGAR: Feria de Madrid (Avda. del Partenón, 5 – Madrid)
PRECIO: Anticipada: Abono para viernes y sábado (incluye conciertos): 35€ + gastos
Abono para los cuatro días (incluye conciertos): 44,99 €+ gastos
METRO: Campo de las Naciones (L8)
AUTOBUSES: Líneas 112,122 y 828

May

2015

El videoarte, medios de exhibición. Parte 2

¿Hasta qué punto es importante la tecnología y la televisión en el desarrollo y lanzamiento del videoarte? Segunda parte del interesante artículo sobre videoarte escrito por Fran Gómez.

4. Evolución de la tecnología en vídeo. Actualidad

El vídeo incorpora tecnología que posibilita a los artistas, usuarios de este soporte, evolucionar y abrir nuevas puertas a la experimentación llegando al punto en el que los límites, entre la tecnología y la experimentación, son cada vez más infinitos. Ahora con un portátil se pueden conseguir resultados inimaginables por una productora hace tan sólo 10 años. La incorporación de la infografía abre puertas a nuevos conceptos y lenguajes, siendo aún experimental y cambiante, de una forma constante y frenética se enfrenta a la misma situación a la que se enfrentó en su tiempo el cine, la fotografía y el vídeo, a diferencia de que el vídeo consiguió institucionalizarse como práctica artística en menos de dos décadas y la infografía lo está haciendo en apenas una.

“Las tecnologías surgidas desde mediados de los 90 han recuperado el espíritu de mediados de los 60 (o de principios de los setenta en España), que reavivan algunas de las ideas de los conceptual, pero trasladadas a otro contexto. Vuelve a haber un interés por la información, por la divulgación de la información. Muchas obras que abordan aspectos relacionados con la colectividad, las redes sociales…” Mercader (2010).

En la actualidad, el mundo de la creación en vídeo es imposible de delimitar y en él conviven prácticas rudimentarias con tecnología punta y experimentación tecnológica, por lo que convive el concepto de lo real con lo irreal y se produce una ruptura del espacio y del tiempo. La imagen digital ha cambiado en apenas tres décadas y es una de las aportaciones más importantes de la iconografía actual. Lo digital implica nuevas posibilidades y experimentación, ahorro de costes de producción, un acceso más universal a la tecnología y la posibilidad de la infinita repetición (se elimina el miedo al coste de producción de la experimentación dado su gratuidad). Se podría llegar a hablar de cultura digital ya que forma parte de la cultura contemporánea, lo digital es algo cotidiano, ya no podemos hablar de nuevas tecnologías sino de tecnologías sin más, lo digital se ha implantado de forma asombrosa sustituyendo en gran medida a la tecnología analógica, que aún convive y se utiliza en ciertas prácticas, pero es utilizada con un interés expresivo, con tono decadente, revival o vintage.

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Los avances tecnológicos provocan la evolución de los sistemas de representación visual y se produce la tecnologización de la imagen. La tecnología no sólo crea dispositivos de producción sino que también se convierte en creadora de modelos sociales y artísticos. Se podría llegar a decir que el ordenador, en la actualidad, funciona como un apéndice ejecutor de las órdenes del artista, pero se llega a crear una simbiosis, en las que las nuevas necesidades creativas del artista se cubren con la tecnología y las nuevas posibilidades que proporciona la tecnología hacen que el artista genere nuevas imágenes y códigos.

Las tecnologías de la información y la convergencia de los medios hacia lo digital, han tenido un impacto considerable en la producción artística en vídeo, pero también en la difusión y el consumo, así como la creación de nuevas formas de expresión en vídeo como códigos. Todo esto, propiciado por las tecnologías de la información y condicionadas por las nuevas formas de exhibición generadas en la red.

Se podría llegar a decir que las nuevas formas de producción digital quizás no corresponden a una evolución natural de la producción de imágenes y sonidos, sino que hay un salto cuantitativo y cualitativo, lo que ha producido un cambio de lenguaje visual vertiginoso que no se puede comparar a otros movimientos artísticos que surgen de la evolución o de la ruptura, pero que transformaron el concepto, no las prácticas en sí ni los materiales. Las tecnologías aplicadas a lo audiovisual evolucionan de forma frenética y es casi imposible mantenerse a la última ya que requiere de un constante reciclaje y experimentación.

5. Vídeo VS TV

“Con la televisión el videoarte mantiene una compleja relación de amor-odio. Por una parte comparte su misma base tecnológica y gran parte de sus herramientas; por otro, rechaza su papel mediatizador y alienador como medio hegemónico de comunicación de masas, su papel político como factoría de conciencias al servicio de los poderes sociales, su iconografía, su lenguaje…” Irarzo (2011)

Vostell se posicionó como enemigo directo de la televisión y en sus obras la critica de forma voraz, y son muchos los artistas que utilizan el vídeo en sus prácticas que la rechazan, tanto como denuncia por sus contenidos, como por el lenguaje y posibles efectos negativos que produce este medio como, por ejemplo, los artistas españoles Antoni Muntadas o Francesc Torres, entre otros.

Haciendo un breve repaso de la relación del vídeo y la televisión, en los años 80, se produjeron movimientos en Estados Unidos y más tarde en Europa de artistas que pretendían hacer su propia revolución desde dentro, con su consecuente acercamiento de estos artistas al medio televisivo. En España, RTVE produjo la serie “El Arte del Vídeo” en 1990, década en la que la relación artista-medio se disolvió por varias razones de las que cabe destacar la aparición de una gran cantidad de canales de televisión, que produce una gran competencia para conseguir audiencia y una lucha para aportar valor comunicativo a los anunciantes, ya que la publicidad era el principal sustento económico de las cadenas y, a esta razón, se une al desencanto de los artistas y a la aparición de nuevas tecnologías que provocan un cambio, tanto de paradigma estético como en la forma de exhibición de la obra.

En la actualidad, se producen algunas excepciones en la relación entre el vídeo y la televisión y se incluyen este tipo de prácticas artísticas en canales especializados como el canal francés Arte o, como en el caso español, en el programa Metrópolis (el programa de cultura contemporánea de La2 de TVE, con casi 30 años de trayectoria).

Como conclusión de por qué la televisión no ha servido de plataforma para este tipo de prácticas en vídeo, además de las anteriores, que hemos comentado, se podrían apuntar varias razones para que no se produzca este hecho pero vamos a destacar especialmente dos: por el tipo de contenido y por el destinatario. La TV no apuesta por el riesgo en su programación, las prácticas artísticas en vídeo llevan implícitas el riesgo, ya que rompen con el lenguaje audiovisual institucionalizado por el cine y la TV, apuestan por la experimentación como forma expresión y la ruptura de los códigos visuales y no se someten a fórmulas mágicas de éxito.

Este artículo se ha obtenido con el permiso de Fran Gómez desde la página: http://www.revistalatinacs.org/14SLCS/2014_actas.html

May

2015

El videoarte, medios de exhibición. Parte 1

A continuación os dejamos un interesante artículo sobre videoarte escrito por Fran Gómez y que iremos publicando en varios post. Os dejamos con la parte 1, en el que se habla del papel del museo como medio de exhibición del videoarte desde los años 60 con el grupo Fluxus.

Las prácticas artísticas en vídeo, desde su aparición, se han encontrado, en ocasiones, con problemas a la hora de ser mostradas, tanto por el soporte, como por el contenido. El museo sigue funcionando como canal institucionalizado de exhibición, pero, por otra parte, la red, en la actualidad, se ha convertido en un medio expositivo válido para los artistas y más que aceptado para los consumidores de vídeos.

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1. Introducción.

La necesidad expositiva, parece que no es nueva y ya en los años 20-30, el movimiento Bauhaus pretendía llevar el arte a la calle, sacarlo del museo.

Siguiendo esta línea de pensamiento, en los 60, el grupo Fluxus quería romper con los códigos establecidos y desvincularse de las formas convencionales de exhibición. Durante estos años, se produce un tránsito de la fotografía al vídeo y ambos soportes se mantienen en la actualidad, no se sustituyen, hay coexistencia, pero el vídeo asumió el ritmo tecnológico de los tiempos. La introducción del vídeo como práctica artística data de la segunda mitad de los 60, formando parte de los nuevos medios. El vídeo representaba la incorporación de la tecnología más avanzada. Las primeras apariciones de monitores junto con vídeo correspondieron al grupo Fluxus, que defendía la eliminación de la obra de arte como mera mercancía, negando al objeto artístico tradicional mediante la conversión en prácticas artísticas a través de cosas, aparentemente, banales pero con una gran carga expresiva. Nam June Paik o Wolf Vostell formaron parte activa de Fluxus y dentro de las prácticas artísticas en vídeo cabe destacar sus aspectos formales: la primera tomando el vídeo como experimentación electrónica, como fue el caso de Paik y, la segunda, utilizando el vídeo como documento de un acontecimiento artístico efímero como, por ejemplo, la grabación de happenings por Vostell.

2. Estado de la cuestión.

A mediados del siglo XVII, el término salón definía el espacio expositivo y se institucionalizó como tal y, la denominada “Academia”, se reservaba el derecho de admisión de las obras, lo que provocó, ya desde sus comienzos, un enfrentamiento entre determinados movimientos y artistas contra las instituciones artísticas al no verse reconocidos o reconocerse dentro de este tipo de circuitos expositivos institucionalizados y dicha fricción parece que se extiende hasta la actualidad.

La tecnología, a lo largo de su evolución y sus diversos aportes a la creación audiovisual, ha proporcionado nuevas posibilidades formales y expresivas que se extienden también al ámbito de difusión y exhibición de la obra.

Además de los propios museos y galerías de arte, la televisión e Internet son medios a través de los cuales los artistas pueden ofrecer sus obras y los espectadores/usuarios/consumidores las reciben/disfrutan. De esta forma, tanto artistas como usuarios pueden evitan los circuitos expositivos tradicionales y esto, a su vez, ha provocado que se generen nuevas formas de experiencia artística.

Estos canales permiten al artista llegar a un número infinito o indeterminado de usuarios o consumidores de arte y desarrollar otras formas de consumo fuera de las instituciones, como podría ser el consumo individual en el hogar, dentro de la propia intimidad del consumidor de este tipo de arte en soporte de vídeo.

Estas prácticas provocan una percepción artística diferente que puede llegar a crear otro tipo de sensaciones; hay obras que permiten una mayor interactividad y formar, de alguna manera, parte de ella (cambiar el final, la trama, participar en la obra añadiendo o quitando elementos u obtener información extra así como la posibilidad de visionar obras relacionadas) se plantea entonces la pregunta si existe una necesidad real de consumo in situ y de exhibir la obra en instituciones tradicionales, normalmente de la mano de instituciones artísticas respaldadas por otras de índole económica, social y/o política.

3. Antecedentes. Artistas VS Museos.

El denominado videoarte de los 80 pretendía lo mismo y aunque se institucionalizó, en la actualidad, forma parte de cualquier archivo que se precie de un museo de arte contemporáneo. Siguiendo la línea del tiempo, surge el net-art en los 90 y lleva el concepto de desvinculación al máximo exponente, al convertir la red en su hábitat de desarrollo y exhibición. Por lo que las prácticas artísticas en vídeo, durante estas décadas y hasta los 90, ya se trate de video- esculturas, happenings, body-art, etc, se grababan en vídeo para proteger la permeabilidad de los mismos y salvar las obras de la destrucción y, a pesar de conseguir una calidad deficiente, lo que interesaba era la forma, a diferencia de las prácticas en vídeo actuales en la que puede primar la forma y la tecnología o una u otra, de forma independiente, como puede ocurrir en la infografía.

Este artículo se ha obtenido con el permiso de Fran Gómez desde la página: http://www.revistalatinacs.org/14SLCS/2014_actas.html

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May

2015

MULACity, el mejor Arte Urbano en Getafe

La Semana de la Cultura Urbana de Getafe traerá a los artistas Ricardo Cavolo, BoaMistura, Sekone, Uriginal, E1000, Sabek y Agostino Iacurci en la que será la mayor intervención de Arte Urbano y Graffiti de España.

Además se ofrecerán exhibiciones y talleres gratuitos de las disciplinas más representativas del Festival de Tendencias Urbanas, MULAFEST, organizado por IFEMA y la Comunidad MULA, que se celebrará en el Recinto Ferial de Madrid del 25 al 28 de junio.

Obras de Agostino Iacurci y Uriginal en Getafe

Por las calles aledañas al Centro Cívico de la Alhóndiga habrá Skate, Breakdance, Circo, Slackline, Roller, música, baile, microteatro y Street Food entre otras actividades, entre el 4 y el 9 de mayo, además de la mayor intervención de arte urbano de España, con más de 1.100 metros cuadrados de murales firmados por artistas españoles e internacionales.

El sábado 9 será el día central en el que se desarrollarán la mayoría de las actividades, e incluye una completa agenda de actividades gratuitas que se desarrollarán en diferentes horarios en la Plaza Rafael Pazos Pría, en la plaza Rufino de Castro, y en el Centro Cívico del barrio de La Alhóndiga.

La música la pondrán DJs y los participantes de la competición de Beatbox, la comida vendrá en los food trucks, habrá exhibiciones de break dance, talleres de malabares y de roller infantil, microteatro y exposición de piezas creadas con impresora 3D por los Makers.

Abr

2015

El Arte como Negocio

En todos los tiempos los inversores y capitalistas siempre han buscado un refugio seguro para sus ahorros. En tiempos de crisis aún los buscan con más ahínco. Desde hace muchos, muchísimos años, la pintura es uno de esos refugios seguros para los inversores que se dedican a especular con el arte como moneda mercantil para sus negocios. Esto es así porque la pintura es un valor seguro cuando la pintura en sí misma tiene valor.

¿Esto es bueno para la pintura?

No, no es bueno para la pintura desde un punto de vista estrictamente artístico. Estos inversores terminan creando tendencias y éstas, a veces, están muy alejadas del verdadero arte. Obligan por tanto a pintar lo que se vende y se vende bien.

¿Esto es malo para la pintura?

No, no es malo para la pintura ni para el arte en general. El artista, como ser humano, tiene que sobrevivir y por tanto precisa de su arte y que éste se venda para su manutención y la de los suyos.

Francisco de Goya. «Godoy como general» El ideal sería una combinación de ambas situaciones. Que el arte fuese arte y que por ello fuese susceptible de generar riquezas. Pero solamente desde el arte, nunca al contrario.

Desde hace muchos siglos, milenios podríamos decir, existen los mecenas en el arte y especialmente en la pintura. Los poderosos: Reyes, Príncipes, Duques, Papas, Cardenales, etc. Han contribuido a la creación artística con sus tesoros o con los tesoros de los demás, los del pueblo. Eso sí, haciéndoles pagar al artista el peaje de sus apetencias, de sus gustos y caprichos. Hay de aquel que no se prestara a las veleidades del poderoso mecenas de turno. Serían fulminados de la corte e incluso de la vida social e incluso física por muy artista que fuese. Solamente tenemos que hacer un recorrido por los magníficos maestros de la historia del arte para comprobar cuales eran las exigencias de aquellos que les llenaban sus despensas. Con muy pocas excepciones, entre las que destacaré a Goya, entre los hispanos se atrevieron a plasmar la realidad cotidiana de su entorno además de retratar a familias reales tal y como verdaderamente eran con todos sus defectos.

Estos mecenazgos regios y palatinos tienden a desaparecer en las postrimerías del siglo XIX y es en esos momentos cuando los creadores encuentras espacios de libertad creativa y rompen con los caducos cánones pictóricos establecidos desde siglos atrás. Así nacen el impresionismo, el realismo, el surrealismo, etc. Pero con esta libertad creativa el pintor no vive y se mantiene malviviendo una bohemia de hambre y miseria. Así pagan el peaje de la libertad. Con estas situaciones ocupan el lugar de los regios mecenas desaparecidos otros que ven en el arte una forma especulativa e invierten sus dineros en la compra de las obras terminadas. Pero no invierten en la financiación del proceso creativo. Se ha sustituido unos mecenas por otros, pero estos últimos llegan al arte cuando la obra está acabada. Cuando la utilizan como moneda de cambio para sus negocios.

Con la situación que se crea al sustituir unos mecenas paternalistas y domésticos por otros meramente mercantilistas, nacen las grandes galerías que hacen pulular en ellas a compradores neófitos pero que al igual que los reyes de antaño imponen sus gustos a golpe de talonarios. Por tanto se pinta lo que se expone en las grandes galerías y por ende lo que se vende, condicionando al creador a adaptarse a los gustos de los compradores. En este punto me hago otra vez la misma pregunta que al principio.

¿Esto es bueno o malo para el arte?

Como quiera que no tengo la respuesta ni posibilidades de conseguirla aquí os la dejo en el aire.

Paco González Maqueda

Francisco González Maqueda, poeta y escritor autodidacta, mantiene una corriente poética crítica en la línea de Manuel Pacheco y Luis Álvarez Lencero. Comprometido con el hombre, escribe con la sinceridad que da el anonimato.

Tiene publicados varios libros y otros tantos inéditos. Ha conseguido algunos premios en certámenes literarios y participa en algunas tertulias literarias en las que destaca Tertulandia de Valencia. Ha dado numerosos recitales y conferencias sobre la poesía donde ha puesto de manifiesto la relación entre ésta y la pintura.

Desde hoy es colaborador de Ártica1, lo cual nos hace enormemente felices. Bienvenido.

Abr

2015

Poesía y pintura

Hoy os dejo una reflexión de Francisco González Maqueda, poeta y escritor extremeño afincado en Valencia, donde equipara las artes plásticas con la poética; lenguajes no tan distantes puesto que hablamos de creación:

«A veces, una pintura, un cuadro, una escultura, grabado o cualquier soporte artístico, roza la perfección e incluso la encuentra. Sus trazos, sus colores, sus figuras son exactos al modelo real o al menos son un fiel reflejo del mismo. Son tan perfectos y relamidos que de lo que se trata es que son una fotografía perfectamente tomada del modelo. Y si son una fotografía real del modelo:

¿Para qué las queremos en un cuadro, un grabado o escultura?

¿No nos debería bastar con una sencilla fotografía tomada, incluso, por nosotros mismos?

No, no debe bastarnos con esto último. De ser así eliminaríamos la obra del artista, del creador, del autor. Porque es ahí donde radica la diferencia entre el arte obtenido mediante la manipulación de una máquina y el que se consigue mediante la mano, el cerebro y el corazón del hombre, del artista.

En mi faceta literaria, me encuentro a veces, con poemas perfectos en su composición, en sus rimas, en su léxico, en su ortografía. Son perfectos, sí, pero al leerlos no me dicen nada. Solamente palabras minuciosamente escritas. El autor se ha volcado en la perfección de la construcción y la métrica la midió al milímetro. Pero le faltaba algo, le faltaba todo. La poesía es un sentimiento. Es una forma pasional de vivir la vida. Es un deseo, una locura a la que nos lleva un poema salido desde el alma y sentido desde el corazón desbocado del poeta. No nos hace falta la perfección de la obra si no somos capaces de trasmitir el sentimiento real y profundo del poema y lo que deseamos decir.

Al igual que en la poesía las artes plásticas, la pintura, nos encontramos con las mismas propuestas de perfección. Las pinceladas exactas, precisas. Los colores perfectos, los dibujos milimetrados:

¿Pero es esto lo que realmente se percibe cuando se contempla un cuadro?

No, la pintura, al igual que la poesía, se nutre de esas verdades que no se aprenden en las academias. Esas realidades que emanan del sentimiento profundo del artista que con apenas unos trazos o unos colores aparentemente manchados es capaz de contar lo que su alma quiere contarnos. Ahí es donde habita el genio. Ahí es donde se encuentra el arte. Ahí es donde un simple trazo es capaz de gritarnos y hacernos vibrar con las emociones que emanan de la obra. Es ahí donde el creador nos dice:

¡Esto es lo que veo y así quiero trasmitíroslo!

Este sencillo pensamiento que os dejo aquí es el que ha presidido siempre mi relación con el mundo poético/artístico. La verdad es que tengo otro y tampoco lo quiero.»

Arte

MULAFEST 2015. Festival de Tendencias y Cultura Urbana de Madrid