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Nov

2014

Starewitch, Švankmajer y los hermanos Quay

Hasta el día 11 de enero se puede visitar en La Casa Encendida de Madrid la exposición “Metamorfosis. Visiones fantásticas de Starewitch, Švankmajer y los hermanos Quay”. Se trata realmente de tres exposiciones individuales de concepciones afines y un denominador común; la animación stop-motion.

En el caso del ruso Starewitch se puede decir que es el padre de la técnica fotograma a fotograma stop-motion, puesto que fue el autor del primer film de animación de marionetas, «Prekrasnaya Lyukanida» (1912) e inspirador de otros artistas posteriores como Ray Harryhausen (animador y creador de efectos especiales para películas como «Jasón y los Argonautas»), los propios Svankmajer y los hermanos Quay, y más recientemente a Terry Gilliam o Tim Burton.

Svankmajer empezó a hacer cine en 1964, pero ha desarrollado su trabajo en técnicas tan variadas como la poesía, el collage o la escultura. Objetos cotidianos como huesos, piedras, tornillos o cubiertos son su materia prima para construir sus creaciones. “El último truco del Sr. Schwarcewallde y del Sr. Edgar” fue su primer cortometraje de animación stop-motion. Fue miembro del grupo surrealista de Praga, a quien Milos Forman definió como: “Disney + Buñuel = Svankmajer”.

Los hermanos Quay, gemelos nacidos en Pensilvania pero con alma centroeuropea, continúan la línea estética de Svankmajer, su imaginario está compuesto sobre todo de muñecas y marionetas, sus historias, próximas al surrealismo y al expresionismo, son carentes de lógica argumental.

En la muestra, comisariada por la especialista en animación Carolina López Caballero, se atisban influencias de Poe, Lewis Carroll, Goya o Kafka. Es una explosión de imaginación, una inmersión, a través de escenarios y personajes de pesadilla, extraños, en mundos irreales pero tangibles.

Oct

2014

Miyazaki, la magia y lo humano

En el año 2009, el MOMA de Nueva York dedicaba una exposición a Tim Burton que apareció en todos los medios. No trato de hacer comparaciones, porque dicen que son odiosas, aunque ganas no me faltan, pero yo creo, y sin menospreciar a Tim Burton, que si existe un autor del medio cinematográfico que merezca el mayor reconocimiento del medio artístico, ese es Hayao Miyazaki.

Y no precisamente porque él lo vaya buscando. Después de casi 40 años dirigiendo series y películas de animación, después de que ha conseguido ser el mayor referente de la animación mundial, después de haber conseguido premios como un Óscar y un Oso de Oro de Berlín, no necesita demostrar nada más. Ahora hace aproximadamente un año que anunció, una vez más, que dejaría la animación para dedicarse a otras cosas, y aunque sus seguidores no terminaron de creérselo mucho al principio, ésta vez parece que va en serio.

En sus orígenes, trabajó en Heidi, Marco, o la extraordinaria Sherlock Holmes, series que han marcado una generación. Ya con producción de Studio Ghibli, que él mismo creó junto con Isao Takahata, obras maestras como Mi vecino Totoro, Porco Rosso, La princesa Mononoke, Ponyo en el acantilado, o El viaje de Chihiro. Ésta última, una joya de la historia del cine, es un viaje hacia el desarrollo personal de una niña inmadura y caprichosa que tendrá que cambiar su actitud para poder salvar a sus padres. Inolvidables sus escenarios, sus personajes, y algunas escenas como la de Chihiro viajando junto a un espíritu que la sigue a todas partes de forma obsesiva, en un tren que viaja sobre el agua. La película está repleta de significados, de lecciones sobre la responsabilidad, la amistad, el esfuerzo o la familia, sin caer en el empalago y la ñoñería de las producciones Disney, y sobre todo de magia.

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Sep

2014

El Arte Urbano

El arte que se desarrolla en el entorno urbano es, quizás, una de las expresiones artísticas o experiencias estéticas más puras que existen. Tanto el graffiti, como el arte urbano o street art, surgen de manera espontánea como una reivindicación personal y una crítica al sistema.

Para empezar se desarrolla en un entorno vivo, en continua transformación, lo opuesto al cubo inerte del espacio expositivo tradicional: el museo o galería de arte. Se tiende a pensar que el arte urbano, en especial el graffiti, se limita a llamar la atención buscando los espacios de mayor impacto visual para el espectador. Es cierto que el graffiti es una acción más o menos invasiva, pero ésto no es así esencialmente, el arte urbano o street art, como evolución del graffiti, trata de mimetizarse o integrarse en el entorno convirtiéndolo no sólo en el escenario de la obra, sino en parte activa de la misma. El artista urbano siempre parte de un estudio minucioso del entorno para que éste se integre y forme parte de él. Es el caso del artista Eltono, que no sólo ha creado un lenguaje visual propio basado en geometrías, muy alejado del gesto agresivo manuscrito que suele definir el graffiti, sino que además ha conseguido mediante la interacción de elementos urbanos, como vehículos, o los propios viandantes, que de manera casual participen en la elaboración de sus obras.

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Sep

2014

El Turner más fascinante

La Tate de Londres muestra 180 obras de Joseph Mallord William Turner en su última etapa.

Turner es el pintor que mejor ha sabido representar la fuerza de la naturaleza en su expresión más pura y esencial. Sus obras son torbellinos de luz y movimiento, buscan zarandear al espectador, mostrarle su insignificancia ante el poder y la magnificencia de la naturaleza.

Es fascinante observar cómo esa búsqueda de lo sublime, que parte de una visión academicista del arte, mediante una continua investigación de la luz, con el óleo y la acuarela como vehículos de expresión, desemboca en obras donde lo de menos son las figuras que se representan, por ejemplo el tren de Lluvia, vapor y velocidad (1844), y sí la atmósfera que crean lo rayos de luz atravesando las nubes de vapor.

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Sep

2014

Comprar arte como quien va al súper

Al hilo de lo que publicamos ayer, viene muy al caso la noticia aparecida en El País.com sobre una feria de arte en Colombia en la que por unos 400 € se podía comprar arte de artistas que querían dar a conocer su obra. El resultado fue de tal éxito, que se llegó a vender el 92 % de las obras que allí se exponían. ¿La razón de los precios bajos? La ausencia de intermediarios, es decir, galeristas. Más abajo reproduzco el artículo completo:

La Feria del Millón agrupa a artistas jóvenes para que vendieran sus trabajos con un límite de precio: unos cuatrocientos euros.

Actividad específicamente humana, decisiva en la identidad de las culturas, el arte vive un romance con el mercado. Hoy, su máxima expresión son las galerías, los museos, las subastas y las ferias internacionales, esa especie de gran bazar de contratos, adquisiciones y ojos críticos. No todas venden con el mismo espíritu. El año pasado, en Bogotá, a la poderosa ARTBO le salió un pequeño competidor que en octubre de 2014 repetirá abordaje.

Hablamos de la Feria del Millón, arriesgado proyecto del arquitecto Juan Ricardo Rincón y del periodista y crítico de arte Diego Garzón, quien, en una terraza del parque de la 93, explica que al escuchar la exposición de las tesis de fin de carrera de los estudiantes de artes plásticas de la Universidad de los Andes en una antigua fábrica textil, Puente Aranda, notó que los asistentes preguntaban precios “y los chavales no sabían qué responder”. “Entendimos ahí la necesidad de crear una feria que agrupara a artistas jóvenes, sin galerista, para que vendieran sus trabajos con un límite de precio: un millón de pesos colombianos”. Alrededor de unos cuatrocientos euros.

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Sep

2014

Cualquiera puede comprar ARTE

Se me ocurre que la mejor forma de empezar es hablar sobre quién compra arte y por qué. La respuesta puede parecer sencilla, compra arte quien se lo puede permitir. Evidentemente eso es así en lo fundamental. Pero existen otros factores como el nivel cultural y social que influyen de manera determinante.

Por ejemplo, se tiene la idea, en gran medida, de que el arte es caro, tan caro que una persona de nivel social medio, por lo general, lo ve como algo inaccesible para su bolsillo. Eso es cierto a medias. Evidentemente no va a poder comprar una obra de Damien Hirst, pero existen muchas posibilidades de comprar obra de calidad a un precio sensiblemente inferior al precio del televisor penúltimo modelo (ya no digo último, que eso es casi como comprar un Picasso). Es simplemente una cuestión de mercados. Yo, Pepito Pérez, con mi sueldo de 1500 euros al mes no voy a poder ni siquiera oler una de esas vacas cortadas por la mitad de nuestro amigo Hirst, quizá incluso ni siquiera me apetezca hacerlo. Pero sí voy a poder comprar una obra de arte de un artista emergente, una obra gráfica, quizás, una fotografía de formato medio, un aguafuerte, una pequeña pieza escultórica. Realmente estás adquiriendo una obra de arte, quién te dice que eso que estás comprando no es arte. Posiblemente lo hayas adquirido en una pequeña galería de tu barrio, o en una de esas ferias de arte en la calle que de vez en cuando aparecen por las ciudades. Incluso en ferias ya de cierta enjundia, por qué no. Si tienes buen gusto y buen olfato puedes llegar a comprar algo de gran valor sin dejarte el sueldo del mes. No esperes hacerte rico comprando cuadros de artistas jóvenes, las cosas son más complicadas que eso, pero ¿no es mucho mejor llenar tu casa de objetos únicos, que enriquecen la vista y el alma, que de vulgares láminas de Van Gogh o cosas mucho peores?, (espero que no se ofenda nadie, incluido el pobre de Van Gogh, allá donde esté).

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